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Bruce Davidson. Time of Change et 100th Street.

A propos de deux expositions à la fondation Henri Cartier-Bresson (Paris), 17 janvier-22 avril 2007
Jean Kempf

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Texte intégral

1Bruce Davidson, né en 1933, est l’un des grands photographes de reportage des années 1960 à 1980, dans la lignée d’un Henri Cartier-Bresson ou d’un Marc Riboud. Le photographe étant membre de Magnum depuis 1958, il n’est a priori pas surprenant que cette double exposition de son travail des années 1960 (plutôt d’ailleurs que deux expositions, nous y reviendrons) se trouve présentée à la fondation Henri Cartier-Bresson1. Attaché à la forme mais sans excès, passionné de « contenu » et spectateur engagé dans le grand mouvement social de sa génération, la lutte des Noirs pour les droits civiques, Davidson est un photographe humaniste moderne, dans la lignée d’un Eugene W. Smith bien plus que d’une Diane Arbus ou d’un Robert Frank dont il partage la forme (le reportage au 35mm qui se saisit du flux de la vie) mais pas le regard inquiet et pessimiste. Comme Cartier-Bresson (qui le fait rentrer à Magnum en 1958), c’est un amoureux du monde avec sans doute même davantage d’empathie pour ses sujets (plus artiste que politique, Cartier-Bresson s’attache plus à la forme qu’à l’histoire des vies), et, s’il ne partage pas avec le maître la philosophie de l’instant décisif et si ses rythmes de travail sont très différents, comme pour lui, l’équilibre des corps dans l’espace est primordial.

2Davidson réalise au début des années 1960 quelques grands reportages (The Dwarf, Brooklyn Gang) qui restent des repères dans l’histoire de la photographie de cette période, bien qu’ils soient relativement peu connus du grand public. En 1962, une bourse Guggenheim lui permet de se lancer dans un travail de grande ampleur (qui durera quatre ans) sur le mouvement pour les droits civiques, qui conduira à la publication de Time of Change2. En 1966, grâce à une bourse du NEA (National Education Association), la première consacrée à la photographie, il enchaîne avec son projet du East Harlem qui en 1970 fera l’objet d’une publication East 100th Street (Harvard University Press) puis d’une exposition au MoMA3. Suivront au rythme d’un tous les cinq ans de grands projets tels Subway, puis Central Park4. On le voit, Davidson est un photographe « à l’ancienne », travaillant, grâce à des soutiens de fondation, sur de longs projets d’immersion dans des milieux « marginaux » ou de grands problèmes de société sur un mode participatif. Traitées en noir et blanc très contrasté, montrant souvent le grain de la pellicule et renforçant l’effet de tension avec le dodging du tirage, les images de Davidson sont autant d’abstractions formelles de scènes par trop réelles. Il en tire des expositions et des livres, en général sans texte, mais fortement structurés autour d’images qui cherchent moins à raconter qu’à entraîner le spectateur dans un univers, qui, comme celui d’un romancier, doit le conduire à réfléchir à ce qu’il voit.

3Voir ces images à la Fondation Henri Cartier-Bresson, parfois un peu petitement tirées (mais sur papier argentique), souvent mal éclairées, avec de constants reflets sur les verres, est tout de même un grand plaisir. Sans mauvais jeu de mots, le noir est tellement plus beau dans un vrai tirage argentique5 : outre les reflets subtils sur la peau des sujets, la richesse des tons sombres de Davidson produit des ambiances particulières (toujours affadies dans les livres). Mais plus grand encore est le plaisir de découvrir ces deux expositions côte à côte. Leur juxtaposition (à un étage de différence !) est édifiante. On y découvre en effet que le « reportage » — que l’on peut grossièrement définir comme témoignage critique ou empathique sur le monde (humain et naturel) — n’est pas où on le croit. Davidson est un portraitiste qui est au mieux de son art lorsqu’il serre de près les visages comme le démontre le magnifique Brooklyn Gang qui l’a rendu célèbre. Or Time of Change manque de cette unité de lieu et de forme qui fait souvent la force des images de Davidson, qui montrent yeux et corps dans leur subtile existence, et une humanité habitée, de l’intérieur, par une force qui se projette vers le monde. L’âme ? Peut-être est-ce là l’essence de sa force, d’un photographe, habité comme Eugene Smith d’un profond humanisme.

4Elle est dans Time of Change un peu diluée. Les sujets sont multiples, l’environnement, nécessairement important, presque trop présent et, au fond, l’événement est envahissant. L’ensemble donne une impression d’éparpillement parce que peut-être trop illustratif. Certes la série présente de vrais joyaux : cette jeune femme noire manifestante de Selma saisie dans une chaîne humaine par deux policiers en noeud-papillon avec en arrière-plan la devanture d’un cinéma qui proclame : « Suspense ! Excitement ! [...] Damn the defiant », ne peut manquer de retenir notre attention comme la très célèbre « Lunch Counter » qui place côte à côte une noire et une blanche dans un contraste et une complémentarité étonnants. Comment non plus ne pas être sensible à ces regards hantés qui vous fixent, souvent deux pointes de blanc dans un océan de noir, et où même le dodging utilisé pour le tirage crée des halos qui forment des auréoles autour de la tête des enfants. Mais à trop vouloir couvrir (dire ?), Davidson tombe dans une manière de stéréotype de la misère noire (sans jeu de mots) ou dans de difficiles cohabitations, comme celles de manifestations (de Martin Luther King, par exemple) et de scènes de la vie quotidienne. On comprend le propos mais il ne convainc pas malgré la proximité de ces images avec celles d’un Walker Evans ou d’un Ben Shahn dans les champs de coton ou les cases crasseuses des métayers du Sud dans les années 1930.

5East 100th Street au contraire nous présente une série de portraits posés, faits à la chambre 4x5, d’habitants du quartier Spanish Harlem chez eux, ou à quelques exceptions près, dans leur environnement proche. Ici Bruce Davidson change radicalement son approche. Il n’est plus en reportage, ou comme le disait facétieusement un journaliste, « en repartage ». Il est dans une relation de travail avec ses sujets, une collaboration, presque une commande de ceux-ci en direction du photographe. Ils peuvent ainsi donner l’ image qu’ils veulent projeter d’eux-mêmes et Davidson multiplie genres et points de vues, faisant par exemple poser nue une femme enceinte, ou et une mère et sa petite fille sur un grand lit blanc. En reprenant, y compris à travers la technique (usage du grand format et de l’éclairage de studio) les grands canons du portrait et de la photographie glamour, Davidson fait réellement exister ces hommes, femmes et enfants en tant qu’êtres humains, en tant qu’être de droit parce que de chair. Les intérieurs de ces dumb bell tenements sont parfois miséreux (pas toujours) mais il sont un chez soi. Ces gens sont pauvres mais ils sont aussi là en couple, en famille. Bref, malgré les apparences, ce monde est aussi varié et ambigu que la vie. Certes, la thématique des cadres et des boîtes qui manifeste l’exiguité des lieux, les horizons bouchés et le contreplongées systématiques apportent une note sombre à l’ensemble. Mais souvent, une fenêtre ou un bout de ciel viennent marquer la circulation, l’échappée, le passage, peut-être la voie qui va permettre à l’un d’eux d’en sortir, vers le Downtown Manhattan qui se dessine au loin. Porte d’entrée de l’Amérique, comme semblent nous le dire ces reprises d’images de Lewis Hine ou Jacob Riis, familles entières entassées dans une cuisine surchargée, fixant désespérément l’appareil du photographe, ou alors dernier arrêt avant la mort, grabat, dépottoir, poubelle d’un monde qui n’est plus nouveau. Ces enfants ont-ils un avenir, cet amour qui s’affiche, ses corps qui posent ont-ils une place dans l’Amérique de la fin du XXe siècle ? Davidson ne répond pas, mais ce qui est certain, c’est qu’avec cette série, par l’investissement subversif d’un genre codifié qu’à la fois il sert avec le plus grand sérieux et le plus bel académisme, et retourne sur lui-même pour donner aux concitoyens de ce quartier une « porte d’entrée », il nous offre non seulement un vrai credo américain mais aussi une belle leçon d’un art qui puisse être à la fois exigeant et empathique, formel et engagé.

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Notes

1 http://www.henricartierbresson.org/infos/ressources/FR-DossierDePresse-HCB-BruceDavidson.pdf
2 http://www.art-dept.com/artists/davidson/portfolio/timeofchange/portfolio.html
3 L’ouvrage reparaitra sous une forme un peu développée en 2002 alors qu’en 1998, il revient, trente ans après, dans le quartier de Spanish Harlem grâce à une bourse de la Open Society Institute (G. Soros). http://www.art-dept.com/artists/davidson/portfolio/east100st/portfolio.html
4 Tous ces reportages sont visibles dans leur forme publiée sur l’excellent site http://www.art-dept.com/artists/davidson/
5 Et aujourd’hui dans certains tirages numériques de très haute qualité professionnelle.
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Pour citer cet article

Référence électronique

Jean Kempf, « Bruce Davidson. Time of Change et 100th Street. », Transatlantica [En ligne], 1 | 2007, mis en ligne le 09 juillet 2007, consulté le 28 mars 2017. URL : http://transatlantica.revues.org/1381

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Auteur

Jean Kempf

Université Louis Lumière-Lyon 2

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